lunes, 27 de mayo de 2013

AGARRANDO PUEBLO

UNA BUENA BURLA

Dirección: Carlos Mayolo y Luis Ospina
Año: 1978
Guion: Luis Ospina
Director de fotografía:
Blanco y negro: Enrique Forero, Oswaldo López Color: Eduardo Carvajal y Jacques Marchal
Montaje:
Luis Ospina

Sinopsis: Película de ficción que simula ser un documental sobre los cineastas que explotan la miseria con fines mercantilistas. Es una crítica mordaz a la “porno-miseria” y al oportunismo de los documentalistas deshonestos que hacen “documentales socio-políticos” en el Tercer Mundo con el objeto de venderlos en Europa y ganar premios.

Premios nacionales: Mejor cortometraje argumental en el III Festival de Cine del Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura (Bogotá, 1978).

Premios internacionales: Premio Novais-Teixeira en el Festival Internacional de Cine de Lille (Francia, 1978) Mención especial en el Certamen Internacional de Cine Documental de Bilbao (España, 1978) Premio Interfilm en el Festival Internacional de Cine de Oberhausen (Alemania, 1979)


Parece que la “malicia indígena” que caracteriza, a algunos que habitamos el tercer mundo, no es del todo sola o puramente “indígena”. Parece que esta “malicia” también es parte del primer mundo, y muchas veces es más “mala” más mal intencionada, y con miradas corrompidas.

Esta película, es una denuncia directa a todos aquellos que trataron y aun tratan de beneficiarse con el morbo, y con la porno-miseria, aquellos tanto de primer y tercer mundo. No todos buscaban dinero, sino más bien prestigio, ya que para la época de este documental, era bien visto que como realizador te adentraras en temas como estos, y dar una imagen que estas en favor de los “buenos”, que odias a los “malos”  (los imperios que se lucran de los pobres). Pero lastimosamente estos trabajos, bajo esa “buena intención” no tenían ni siquiera una investigación verdadera, con gran compromiso.

Y cualquiera se indignaría como les paso a Ospina y a Mayolo, al ver estas personas descaradas, y luego triunfando en festivales, con los trofeos en alto. Además como dice Luis Alfonso Londoño, el “loco” de la película, que los norteamericanos en cuanto al cine son “las vacas que más cagan”, pero que ya no es así, hay otros que “cagan más alto”, y nosotros los colombianos también podemos movernos en el medio. En conclusión, no somos tan marginales en Colombia.

Es muy interesante este personaje que en la ficción de la película hace parte de la burla que se plantearon entre Luis Ospina y Mayolo, pero que en la realidad, también es parte de la burla, solo que en ese caso, es el “burlado”, y es para él una gran revancha poder burlarse de todos aquellos que le roban fotografías, que se benefician con él. Así como él dice, “soy de los pocos que me doy el lujo de limpiarme con unos billetes” “no sucios, sino recién saliditos del banco”.

Ciertamente esta mirada y esta manifestación burlesca y protestante por parte de Ospina y Mayolo, son en sí pensamientos cinematográficos avanzados para la época.
Se les considera como los genios del cine en su momento, ya que semejante producto, su contenido, su fondo, es construido cuidadosamente, cada imagen, cada comentario, cada grosería, pareciese que va construida de manera correcta en ese mensaje hacia aquellos que les dicen “al que le caiga el guante…”

“…ya tenemos locos, gamines, vagabundos, nos falta otro loco, ¿sabes dónde podemos encontrar un loco?...” “…nos faltan putas…” “…acércate en las texturas los detalles, en la cultura de la pobreza como dice Lewis...”

Cada comentario construido perfectamente. Interesante ese último de la cultura de la pobreza, donde citan a Lewis, quien, en el momento que hacia su obra sociológica y antropológica de un México urbano (la cultura de la pobreza), también se estaba retratando a México, por parte de  Ismael Rodríguez y Luis Buñuel.

Según esta teoría, la pobreza viene siendo, la forma de vida en la que se imposibilita acceder a una calidad de vida digna y no se pueden satisfacer necesidades básicas necesarias, pero la cultura de la pobreza, es la adaptación frustrada a estas condiciones de vida, con resignación, ya que es la solución de muchos individuos.

Así como Lewis abordó familias pobres mexicanas para su estudio, Mayolo en la película también lo hacía, como lo hacen muchos aprovechados en la realidad, que escondidos y amparados por estudios como estos, dicen ir en favor de la sociedad.


La película es excelente, en su fondo, en lo que se quiere transmitir, y es un hit avanzado para su época. Tal vez se necesitó más de un Mayolo y un Luis Ospina en cada país que hicieran más de “agarrando pueblo” porque no solo hubo (y hay) directores y productores inescrupulosos en el cine, sino que también la televisión se aprovecha de esto, en muchos países.

jueves, 23 de mayo de 2013

Cali, ciudad de Luis Ospina



CALI PLANO X PLANO
ADIOS A CALI – ¡AH, DIOSA KALI!

Dirección: Luis Ospina
Año: 1990
País: Colombia- Valle del Cauca
Guion: Luis Ospina
Cámara: Óscar Bernal
Sonido: Hernando Tejada
Música: Germán Arrieta
Montaje: Jorge M. Arias/Héctor Sánchez/Luis Ospina
Jefe de producción: Alejandra David
Coordinación: Diana Vargas
Asistente: José I. Sánchez
Producción ejecutiva: Yolanda Bautista/Doris Eder de Zambrano/María Isabel Caicedo Con: Óscar Muñoz, Karen Lamassonne, Fernell Franco, Ever Astudillo
Producción: La Corporación para la Cultura/UVTV

Luis Ospina, tiene sangre caleña, sangre cinematográfica, y como cualquier caleño, se alarma ante cualquier acontecimiento que pasa en su ciudad. “Adiós a Cali” (1990) es su forma de llorar, y lamentar algo de su amada ciudad, que se le ha perdido.

Este documental, nos expone dos partes, una donde se muestra plano a plano la ciudad demolida, y una segunda parte donde se recoge los testimonios de dos bandos opuestos: los artistas locales que han tratado el tema de la ciudad y los demoledores que se han empeñado en destruirla.

Y a este “funeral” de concreto, llama a colegas suyos, los artistas que viven en la ciudad. Y estas personas, dentro del documental de Ospina al igual que él, se indignan, y más que eso, sienten que se les ha arrancado algo que está ligado a ellos. Fotógrafos, pintores, y otros artistas, expresan su triste sentimiento, el cual afecta directamente en sus obras, ya que muchos de ellos, han tomado como inspiración esa ciudad, grande y llena de magia.

“algunos que pasan lloran y se ponen tristes “…. Es lo que dicen los demoledores, porque a muchos les da rabia por saber que sus casas u otros lugares especiales son acabados. Pero estos demoledores, miran con ojos de renovación, y la mayoría de ellos busca acabar con lo viejo, lo que no sirve. “….que importa si aquí vivió Bolívar, lo que se debe hacer es construir un edificio bonito…”

No viví en 1990 aquí en Cali, pero por lo que muchos dicen, la gente también se indignó, y muchos se rebotaron. Y para Ospina, pareciese que el sentimiento que lo envolvió fuera de profundísima tristeza. Hace una referencia al tiempo de las tinieblas, la era del Yuga-kali (Mircea Eliade): “A medida que nos acercamos al final del ciclo, es decir, al cuarto y último yuga, las “tinieblas” se espesan. El último yuga, aquel en que nos encontramos actualmente, se llama, por lo demás, la “edad de las tinieblas” (Kali-yuga).”

Y es que, en esa era según teorías del tiempo cíclico hindú, las cosas, la vida del hombre, y la vida de todo, tiene un ciclo, una edad de oro, y un final triste y tenebroso. El ciclo de algo se compone de 4 “Yugas”, 4 edades, así la primera edad, la Kritayuga, dura 4.000 años; le siguen treta-yuga, de 3.000 años, dvapara-yuga, de 2.000 años y Kali-yuga, de 1.000, y todo esto es lo que forma un ciclo. Según Mircea, entre cada ciclo, lo que hay es un ritmo creación - destrucción – creación, donde cada vez que hay destrucción o estamos cerca del final de un ciclo Yuga-Kali, corresponde, en el plano humano, una disminución de la duración de la vida, acompañada de un relajamiento de las costumbres y de una declinación de la inteligencia. Esta decadencia continúa en todos los planos -biológico, intelectual, ético, social, etcétera.

O sea que para Ospina probablemente, la demolición de su amada ciudad, era una edad de tinieblas no solo para esta, sino también para el hombre que la habita, el cual como dice Mircea, hay una decadencia total. Y puede que sea cierto, ya que para 1990 en la ciudad de Cali, se daban hechos en la sociedad como por ejemplo el incremento de la mala calidad de vida de la región, según algunas noticias encontradas

“La calidad de vida de los caleños se deteriora cada vez más. Casi las tres cuartas partes de la población de Cali en edad de trabajar tienen ingresos inferiores a los dos salarios mínimos. Aunque la tasa de desempleo ha descendido en los últimos años, el subempleo y la rotación laboral siguen siendo significativos.” El tiempo.

También es interesante el resto de “comentarios” que hace en el documental, ya que a través de estos nos damos cuenta de los detalles de ese sentimiento oculto que tuvo Luis Ospina con este documental. Y así como la anterior cita, que apunta a reflexionar que estamos en degradamiento, esta también pone al ser humano en juicio:

“Cuando hemos aniquilado el mundo y nos quedamos solos, orgullosos de nuestra hazaña, Dios, rival de la nada aparece como una última tentación”  E.M. Cioran

Y es de una texto de E. M. Cioran, un filósofo Rumano, que trata a través de este texto llamado “de lágrimas y de santos” dar un panorama de como la religión,  y la santidad influyen de forma vital en el hombre moderno.

Todos estos “comentarios ocultos” de Ospina apuntan hacia ese sentimiento de que ha habido un cambio en su ciudad, y no ha sido para bien:

“A veces pienso que el mundo está cambiando y que no vale la pena seguir hablando de sí mismo.” Eduardo Escobar

“Así termina el mundo, así termina el mundo, no con una explosión, sino con un lamento” T.S. Eliot
Realmente para Ospina y para muchos caleños que vivieron ese 1990 en Cali, vivieron una gran nostalgia y tristeza por su ciudad.

Fuentes:

miércoles, 1 de mayo de 2013

A LA SALIDA NOS VEMOS


A LA SALIDA NOS VEMOS


Dirección: Carlos Palau
Año: 1986
País: Colombia
Duración: 105 minutos
Genero: ficción/comedia

SINOPSIS Narra la historia de un grupo de colegiales adolescentes en provincia¸ que se pasan la vida tratando de adaptarse a las exigencias de los religiosos responsables del colegio y descubriendo¸ con sorpresa¸ picardía y¸ en ocasiones¸ dolor¸ lo que es de verdad la vida.

PREMIOS NACIONALES: India Catalina Mejor Opera Prima en el 26° Festival Internacional de Cine de Cartagena (Colombia) 1986.

La película “a la salida nos vemos”, es toda una aventura para quien la ve años después de haber pasado por la juventud en el colegio. Como gran parte del cine colombiano, esta película es parte de ese cine anecdótico, que nos muestra panoramas, nos muestra historias que no tienen un fin, sino que son parte de toda una vida.

Las personas mayores, son las que recordarían muy bien estas anécdotas, y saben en el fondo que en el pasado, o en cualquier época, la juventud no fue mejor, siempre ha habido de todo. No podrán negar, haber hecho o visto como las travesuras se iban creando solas por la necesidad de adrenalina que surgía en los ambientes cuadrados, reglamentados hasta más no poder. Y es uno de estos lugares donde se desarrolla esta historia, dos colegios, uno de sacerdotes y uno de monjas, donde la regla es ser rectos, fríos y duros como las vigas que sostienen el colegio.

Debo decir que no fui parte de esos tiempos, y que de todas maneras no todo lo que se proponen en mostrar en la película de esos colegios salesianos es de pura verdad. También salí de un colegio salesiano, y bueno, es obvio que la educación ahora no fue igual que antes, pero que de todas maneras, la comunidad salesiana nunca ha buscado el castigo sin un razonamiento fundado en el amor que se debe tener por el joven. Si hay anécdotas de como la exigencia, la pulcritud, y la cristiandad eran obsesivas, pero nunca represivas, ya que el modelo salesiano, solo se quedaba con los alumnos que deseaban ese tipo de educación, solo se recibían estudiantes en 6 grado, y de allí en adelante, se salían, y si no querían continuar, se les negaba la matricula a los padres, en los casos en los que el estudiante era rebelde por la necesidad de salir, como es el caso de Miguel en la película.

Obviamente en la película no se hace énfasis que es un colegio salesiano, de la comunidad de San Juan Bosco, simplemente representa todos los colegios del momento con esas características represivas, pero muchos reconocen el colegio en Tuluá, donde estudiaron, y vale la pena la aclaración en la buena imagen de la comunidad.

La película es toda una experiencia que hay que ver, para poder vivirla emocionalmente. La emoción, la adrenalina, la sorpresa, el dolor, todo aquello que los jóvenes de hoy y de siempre han vivido. Entre ello, las experiencias de la primera vez. Es la primera vez, escapándose del colegio, es la primera vez para besar, es la primera vez para perder la virginidad, es la primera vez para todo, por ello lleva tanta emoción la historia.

Para mis padres por ejemplo, es como si se regresara a esos momentos, y aunque muchas de esas cosas no las hicieron, el hecho de ver la película hace que sientan como si lo estuvieran viviendo.

Algunos recuerdan, la reducción del momento, los castigos, las penas, las confesiones, las penitencias, todo eso que hoy, no se ve. Gracias a Dios no se ve. De todas maneras, muchos padres, como los míos por ejemplo, ríen al recordar algunos de sus castigos. Y algunos padres quisieran que hoy se castigara así, ya que a muchos los “enderezo” a la fuerza, y les funciono el método.

sábado, 13 de abril de 2013

"La gran obsesión"


LA GRAN OBSESIÓN


Dirección: Guillermo Ribón Alba.
año: 1955
País: Colombia
Productor: Dawn Bowyer Films de Colombia.

SINOPSIS: drama psicológico que nos muestra los sueños de una joven provinciana quien, atraída por la vida en la ciudad, padece el inevitable choque entre dos mundos distintos. Su intento por penetrar en un universo ajeno y hostil le acarreará graves consecuencias.

Es la primera película en Colombia en inflarse de 16 mm a 35 mm. Y como dice Ramiro Arbeláez  En su escrito "¿por qué salvar a la gran obsesión?", hemos sido los primeros en muchas cosas, en Colombia, Cali llevó siempre la delantera en muchas cosas, por ejemplo, la primera película sonora "flores del valle" 1941, o también El primer largometraje de ficción, " María" 1921, y de esta forma, “la gran obsesión, hace parte de este repertorio que tiene el Valle del Cauca como pionero en el cine colombiano. Ah! Y sin olvidar que es la primera película largometraje argumental de producción nacional en colores.
Su producción estuvo bajo la responsabilidad de Tito Mario Bowyer Sandoval Llanos. El film a pesar de ser de bajo presupuesto, tuvo una gran calidad en el color, ya que utilizaron película reversible super Ansco color de 16 milímetros. El uso de esta película permitió abaratar gastos en el montaje y hacer que el producto final conservara una buena calidad, algo que a futuro también fue una ventaja, donde a pesar de las no muy buenas condiciones en donde se guardaron las copias de los rollos originales de 35 milímetros en copia positiva. Este tipo de película. Fue de gran calidad que por su precio, pudo competir muy bien con las Eastman kodak de la época utilizadas para películas de grandes presupuestos. Fue tan acertada la forma y la elección del material para hacer el film a color, que el contraste y la iluminación aun hoy se conserva de manera increíble.
El sonido si fue algo de menor calidad, ya que se hizo con equipos prestados que no tenían la mejor funcionalidad. Al final, la sincronización fue todo un reto, y según el director, en una entrevista para la revista cronos: “las grabaciones de sonido fueron “pegadas” a la película inicialmente muda y sincronizadas en bandas sonoras hasta donde fue posible”. Se dice que estos mismos trabajos de sincronización y acabado del material para la exhibición, fueron realizados en Hollywood.
Todo parecía salir acorde a los sueños de los que un día empezaron tal iniciativa, ya tenían las copias, tenían una buena calidad, y todo el mundo esperaba con gran expectativa la película. Se había pagado publicidades en toda la prensa, y la fama que tenía el director hizo que las salas estuvieran llenas el día del estreno. A eso se le suma que las estrellas (actores y músicos) que saldrían en el film ya eran conocidas, y por lo tanto era una producción hasta de “orgullo nacional”.
La historia, es una que cuenta como una mujer buscando nuevas oportunidades se traslada del campo a la ciudad, y así se casa con un hombre rico y hacendado. Luego salen de viaje, como luna de miel a Paris, pero cuando regresan el esposo es asesinado, y la mujer protagonista del film queda sola, como patrona.
En la historia podemos ver que hacia el final de la película desde el momento en que nuestra protagonista queda sola, se empiezan a evidenciar temas en el film que tocan mitos y leyendas como el vampirismo y parecidos con lo que después sería “carne de tu carne” y “pura sangre”, del gótico tropical.  Aquí podemos decir, que la gran obsesión es o puede ser un fundamento estético de esa línea gótica ideada a partir de Mayolo. Y algunos comparan por ejemplo, el viaje a Paris de esta pareja, con el que se prometen Arturo Rey y su esposa en la película de Antonio Dorado  “El Rey” (2004). Son muchas las cosas que se pudieron haber retomado de esta película, pero lo más interesante, es que ha sido toda una influencia nacida en el Valle del Cauca y para el Valle del Cauca. Incluso la mismísima “gran obsesión” retoma temas como el traslado de los personajes a la ciudad y la importancia de la moral y las costumbres con la película “Flores del Valle” (1941).
Algo importante en la película, es que se destaca el papel de la mujer, donde el objetivo es mostrarla tan digna como el hombre, y con mucha fuerza en su actitud y acciones. Y es interesante ya que en los años 50, cuando la película fue exhibida, se estaban dando ciertos cambios en el país, aspectos políticos y sociales, y que tenían que ver con el papel de la mujer. Por ejemplo, ese país, se reformo la ley, otorgando el derecho al voto para las mujeres.

Fuentes:
http://www.patrimoniofilmico.org.co/anterior/noticias/199.htm

lunes, 25 de marzo de 2013

VISA USA (1986) Lisandro Duque Naranjo


VISA USA


Director: Lisandro Duque Naranjo
año: 1986
País: Colombia

Premios: India Catalina a Mejor Película, Mención especial a la actriz revelación a Marcela Agudelo y Alcatraz de Oro de los cineclubes en el26° Festival Internacional de Cine de Cartagena (Colombia) 1986, Mejor largometraje¸ Medalla al Mérito de las Comunicaciones Manuel Murillo Toro - Premio Focine, Ministerio de Comunicaciones (Colombia) 1986, Círculo Precolombino Mejor Película Colombiana, Mejor Música a Leo Brower, Mejor Actor Colombiano a Armando Gutiérrez y Mejor Guion Colombiano en el 4° Festival de Cine de Bogotá: Nacional y Suramericano (Bogotá - Colombia) 1987.

Sinopsis: En un pueblo de cordillera y clima ardiente¸ el hijo de un pequeño avicultor sueña con ser locutor en Estados Unidos. En sus proyectos se atraviesa el amor aunque con muchas dificultades¸ ya que la familia de la novia no lo considera merecedor de sus favores. Los obstáculos son tan grandes que nuestro hombre huye a la capital con el empeño de obtener la visa y alcanzar mejores horizontes. (Tomada de pro imágenes)  


Tener una visión del contexto que rodea la historia de la película nos ayudará a contemplar ciertas ideas y apreciaciones de la película.

1986

Es un año en el que Colombia pasa por altas tasas de desempleo, la deuda externa junto con otros países latinoamericanos es mayor que los desastres después de la guerra en Alemania, y los sueños de los colombianos y muchos latinoamericanos están latentes y animados por la esperanza de encontrar una tierra mejor donde prosperar.
La esperanza en encontrar oportunidades favorables en U.S.A específicamente, vienen desde los finales de la primera guerra mundial. Muchos colombianos eran atraídos principalmente por la oportunidad de estudiar, tener un título y progresar con una carrera profesional. Al principio la mayoría tenía como blanco de llegada, la ciudad de New York. Luego en las décadas de los 50 y 60, Colombia calló en una gran crisis, había mucho desempleo, y la obtención de la ciudadanía de los Estados Unidos era la única esperanza. Entre los años 1960 y 1977 se dio una emigración aproximadamente de 116.444 colombianos. Luego hacia la década de los 80 en adelante donde transcurre el tiempo de la historia de la película, la idea de hacer realidad el “Sueño americano” (nombre nacido en 1931).

En Sevilla

Sevilla-Valle del Cauca, es el pueblito que hace parte de la espacialidad del film visa USA. Allí vive Patricia y Adolfo, una linda pareja, quizá como Efrain y María de la novela de Jorge Isaac, pero esta vez con la gran diferencia que hace un director como Lisandro Duque Naranjo.  Este pueblito, nombrado por muchos como “el balcón del Valle del Cauca”  era hasta 1950 el pueblo con mayor y rápido crecimiento en el Valle; lideraba la producción de café nacionalmente, y tenían comercio de Cacao, Panela, Tabaco, había incipientes industrias de Cebo, Velas, Cueros y Derivados, Confecciones, Fundiciones, Trilladoras y Torrefactoras de Café, Cerveza, Gaseosas, contaba con gran número de bancos y locales comerciales, pero luego la violencia política entre liberales y conservadores acaba con muchos proyectos que de haber seguido, hoy Sevilla sería una potencia nacional.
  
Culturalmente también fue un pueblo importante. Digamos que desde que se creó la imprenta el pueblo ya contaba con algunos cronistas, con quienes se publicaron los primeros periódicos y revistas, y luego con la casa de la cultura, Sevilla empieza una época de desarrollo cultural. El problema era que Sevilla para las décadas cercanas a la época de la película estaba bajo el parasitismo del grupo usurpador gamonalista del momento. Era un grupo de políticos que se enriquecían con el pueblo, pero se detuvo hasta que su líder murió. E incluso después de ellos algunos siguen en corrupción y no dejan que Sevilla siga creciendo.
Tal vez, por esa razón, muchos jóvenes de la época se encontraban en la misma situación de Adolfo, que querían una forma de progresar, ganar más dinero y salir de la pobreza. Muchos al igual que Moncho el amigo de Adolfo, tenían conocimiento en alguna disciplina u oficio, por ejemplo, Moncho sabía muy bien acerca de mecánica automotriz, y podía atender un taller fácilmente con su conocimiento, pero dada la situación de Sevilla, el chico pudo haber estado pasando un mal rato esperando a que un carro se dañara, o que al menos hubiera carros para arreglar. Había que tener dinero como Patricia y su novio en el inicio de la película para estar satisfecho viviendo en el pueblo.

Es una situación que es difícil para los jóvenes principalmente, ya que la mayoría de ellos quiere saber que hay más allá, sobre todo para los que viven en un pueblo, donde no hay más que vacas, pasto y una pequeña escuela. Es una situación que vivió mi abuelo cuando era joven. Él tiene 84 años, y en su época de juventud, era muy común vivir en un pueblo, ya que la vida en Colombia generalmente era más rural. Y el al igual que muchos jovencitos de su pueblo, uno pequeño ubicado en Antioquia, querían salir a ver que hay más allá. A veces era un sentimiento de impotencia, por no poder salir cuando ellos querían, sobre todo cuando veían que sus amigos ya se habían ido y que tal vez se estaba perdiendo muchas oportunidades estando sentando al lado de las vacas. Al final, hizo todo lo posible y muy joven llego a Cali en tren, que lo dejó en la estación del ferrocarril que todavía está vigente solo para turismos en pueblos cercanos como la Cumbre, un pueblo muy bonito de nuestro Valle del Cauca. Que se encuentre que en Cali también había corrupción como en Sevilla, en el caso de la película, es una situación aparte, pero al menos hay más carros, hay más casas, hay más gente, que necesita de cuidados, de trabajos comunes que muchos saben, y que con suerte son bien pagados. Es el paraíso para un campesino con deseos de saber más.

No basto mucho tiempo para que Moncho, en la película, pudiera encontrar pequeños trabajos en la mismísima calle de la ciudad, fuera de un taller de mecánica automotriz. Fueron unos pesitos que difícilmente hubiera podido ganar en Sevilla. Como dije, todo un paraíso para el joven pueblerino.
Ya con este panorama de lo que estaba pasando por la época, y de donde viene Sevilla, podemos darnos una idea de lo que tenían en la cabeza las personas dentro de la película, al menos específicamente en Adolfo y Moncho.

La malicia indígena

Y hablando de Adolfo y Moncho, no podemos olvidar la viveza con la que tramaban sus planes y proyectos futuros. Cito lo que dice otro bloguero (al final el link)  “…según nuestros padres, tenemos ancestros que nos dejaron un gran legado llamado 'Malicia Indígena. Debido a ella nada nos parecerá difícil y nada nos va a quedar grande porque además poseemos un ingrediente muy autóctono e inigualable: 'la berraquera' que traduce: astucia, fuerza, inteligencia, carácter, habilidad, destreza e ingenio...”  
Creo yo, que es el principal componente que Adolfo, un Colombiano  promedio con malicia indígena, tiene para poder seguir mentira tras mentira, encontrar al falsificador de firmas sin tener la dirección, conseguir la visa falsa, y además de eso estar a punto de subir al avión, sin olvidar que se escapó de la policía aduanera en el interior de un aeropuerto, como toda una película de acción, y no dejen pasar el momento en que vacía el pobre muñeco relleno de arroz para comer. ¿Es o no es malicia indígena?

Yo creo que ahora no vamos a decir que Adolfo era un santo, ya que era tan pícaro como para decir que, al igual que Pedro Guillermo, tampoco se merecía a Patricia.

Pero este es componente de malicia en Adolfo, que lo hace pícaro, y no el chico bueno que quiere estar con su amada, es creo, el componente que tiene Lisandro Naranjo para desviar esta historia de un drama total que pudo haber sido, y mutarlo a un comedia. No vamos a decir que no nos reímos con las aventuras de Adolfo y Moncho. Recuerden el momento en que Adolfo le escribe una carta a Patricia desde Bogotá, y le cuenta lo de la licencia de locutor, pero al mismo tiempo le cuenta todo lo que Moncho y él están haciendo mientras le es entregada la licencia. Es muy gracioso. Que estaban aprovechando el tiempo para conocer los principales lugares turísticos de la ciudad, que visitaban restaurantes y comían especialidades, mientras que en ese momento se muestran imágenes de Adolfo cocinando en l misma habitación donde están.  Río cada vez que me acuerdo de la escena.

Esta historia romántica tiene un toque de drama como sería normal en los cásicos de amor, pero como vimos, gracias a la “malicia indígena” y a otros componentes en la historia, esta película de Lisandro Naranjo no solo nos presenta un drama a lo Colombiano, sino también a la Sevillana, ya que todo esto visto desde una ciudad, habría sido muy diferente.  Así que la fórmula es esa, drama y una pisca de comedia, un toque muy original. Nos queda por reconocer que la película, técnicamente es una de las mejores hechas en Colombia, con un buen sonido, que para la época no era tan logrado. Tiene una muy buena fotografía que juega con penumbras y claroscuros, como por ejemplo cuando Adolfo esta jugando en el billar, antes de ver a Patricia, como si tuviera influencias artísticas parecidas a las de la película El padrino de Francis Ford Coppola, donde el director de fotografía Gordon Willis hace este tipo de juegos. Hay muchas películas por supuesto que también tienen esta tendencia. En Visa USA, todo estuvo en manos de Raúl Pérez Ureta, director de fotografía cubano del ICAIC, con muchísimo reconocimiento y alrededor de 15 premios a mejor fotografía.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Sevilla_(Valle_del_Cauca)
http://desarticulado.blogspot.com/2008/08/malicia-indigena.html
http://www.proimagenescolombia.com/secciones/cine_colombiano/peliculas_colombianas/pelicula_plantilla.php?id_pelicula=188
http://www.eltiempo.com/eltiempoimpreso/index.php?modeq=poranio&anio=1986


jueves, 7 de marzo de 2013

EL HORROR, LO RARO, Y LO GOTICO


LA MANSIÓN DE ARAUCAIMA

DIRECCIÓN: Carlos Mayolo
GUION:          Carlos Mayolo
MONTAJE:    Luis Ospina
PAÍS:              Colombia
Año:                1986


Una película mas del gótico tropical, es decir, una mas que nos trae el terror, el humor negro y la locura de los personajes que hay en el filme. Esta película es una propuesta totalmente diferente, propia del cine de Mayolo. Todo inicia con la novela de Mutis, la mansión de araucaima, luego pasa por el loco lente de Mayolo.

La película nos da una historia muy particular, ya que a pesar de su narrativa clásica, el tiempo en la película es algo muy distorsionado. Todo lo que pasa en la casa, dentro de ella, parece ser de mentiras, es decir, parece que el tiempo no existe, y lo único que hay es la presencia de unos seres que viven pegados de sus mentes, es solo como si vivieran las conciencias, mas no la personas de carne y hueso en este mundo. 


Y lo digo ya que, cada uno experimenta lo que esta relacionado con sus temores, sus deseos, y sus anhelos. sin embargo sigue siendo raro eso de lo de la inexistencia del tiempo, ya que el esclavo brasileño, puede salir de la mansión, ir al pueblo comprar algunas cosas, e incluso platicar con gente de allí. incluso al final de la película, el muchacho que ayudó a Angela a entrara a la película que se estaba rodando, estaba buscándola en su moto por todo el lugar, pero como si fuera justo minutos antes de que Angela desapareciera, como si fuera el mismo día que ella se fue, y tan solo pensar, que parecían días el tiempo que realmente Angelo vivió allí. Es decir, quien sabe si realmente el tiempo solo se distorsiona dentro de la mansión, lo cual nos lleva a recordar lo que decía en la puerta de esta. "si entras en esta casa no salgas. Si sales de esta casa no vuelvas. Si pasas por esta casa no pienses. Si moras en esta casa no plantes plegarias".


Es extraño, como si los que vivieran, o han vivido allí desde el inicio supieran lo que pasa en la  casa. Y esa es otra pregunta, ¿cuantos han vivido en aquella casa?


Recuerdo que don Graci, en el momento que ven a Angela muerta, les dice a todos (parafraseando), ...¿porque siempre hacen lo que se les da la gana?...


Habla de una forma como  si antes de Angela hubieran existido otras personas, que también han pasado y traspasado la conciencia de cada personaje que se encuentra en la mansión. Y parece como si todas esas persona hubieran tenido un final similar al de Angela. solo que esta vez, el final fue para todos, creo que esa fue la cúspide para don Graci, quien parecia ser el líder de todos. y digo la cúspide  porque esta vez no solo murió el nuevo visitante, sino que se vio perjudicada Machiche, una mujer de gran aprecio por estos hombres, ya que ella era el deseo de todos. Machiche fue asesinada por una bala que disparó Camilo. Creo que fue el momento donde ninguno resistía mas, ni Machiche a su nueva competencia Angela, ni Camilo a Machiche, por su actuar, ni tampoco el guardia al esclavo, ni nadie, y don Graci ya no se los aguantó mas. 


Al final deciden marcharse de la mansión, y don Graci le da la libertad al esclavo, quien se va cantando unos estribillos. Es realmente interesante de como este esclavo brasileño llega a la casa, a la mansión. Es decir, obviamente es una obra de ficcion, pero seria interesante saber si hubo una tasa alta de mercadeo de esclavos brasileños a Colombia. Si se data de brasileos esclavos en Colombia y en muchos paises, pero no se sabe cuanto. Ademas la época  por donde parece pasar la obra es un tiempo avanzado, donde hay equipos de cámaras y todo ese tipo de cosas Colombia para realizar películas. Incluso hay tecnología como la diadema para escuchar música que tiene Angela, algo que era muy lejos ya de la fecha en la que se dio la abolición de la esclavitud en latinoamerica.


La historia es muy interesante  en el sentido de que todo lo que sucede en la casa nos produce muchas sensaciones, mas que contarnos los hechos. Es lo que siente cada personaje. y al final hay una descarga de el terror que tanto le gusta a Andres Caicedo, y es cuando el muchacho en la moto llega a la casa en la moto, y entra como si nada a buscar si depronto Angela pasó por el sitio. En ese momento todo se torna en el suspenso, ya que sabemos que es lo que sucede en la mansión  y a pesar de que sabemos que esas personas se fueron, queda como el fantasma de ellas, quienes pueden seguir allí, y pueden inducir a este muchacho a quedarse, para un día llevárselo de allí, así como la ultima vez.      









jueves, 28 de febrero de 2013

EL VAMPIRISMO LATINOAMERICANO.

PURA SANGRE
Director: Luis Ospina
año: 1982
país:
Colombia


Se han encontrado muchas películas en diferentes países de Latinoamérica que tratan y tocan el tema del vampirismo. Y hay una especial que hecha en Colombia, por el director, y uno de los pocos buenos amigos de Andrés Caicedo. Pura sangre es una película que inmediatamente me hizo pensar en uno de esos temas tan tocados por Caicedo, que tiene que ver con la sangre y en parte el horror, y en otras palabras el gótico tropical, ese mismo que nace del ocio de Carlos Mayolo junto a Andrés Caicedo, Luis Ospina y Ramiro Arbeláez. 
Esta película que trata sobre un hombre poderoso que está en sus últimas debido a una enfermedad extraña que solo se ve controlada mediante la transfusión de sangre, es toda una historia vampiresca a la colombiana. Tiene unos planos con una carga de tensión y tenebrismo impresionante, lleno de penumbras, que son excelentemente manejados por la luz y las sombras.
Para mí, esta película trata de tocar temas delincuenciales que han ocurrido en la ciudad, pero a través de la historia de “don Rubén” quien necesita la sangre para poder vivir, al igual que un vampiro, es exactamente uno, pero con el nombre de vampiro tropical.
A través de esta película, se evidencia el amor profundo por la ciudad que alguna vez Caicedo y sus amigos tuvieron, ya que en la película puede haber una intención de denuncia hacia la delincuencia que involucra principalmente a los jóvenes y niños. También pudo haberse tomado el tema de un mito común, acerca del monstruo de los mangones, el cual fue un hombre que aterrorizó a la comunidad por las desapariciones de muchos niños.
Terror por donde se le quiera ver, pero algunos dicen que también tiene una carga de humor, una combinación propia de Luis Ospina. 

jueves, 21 de febrero de 2013

AÑOS 70 EN CALI

AÑOS 70 EN CALI,
EL CINECLUB, ANDRES CAICEDO Y EL ESIRITU ARTISTICO DE LA EPOCA.

¿Conoce usted a Andrés Caicedo?


Conocer a este personaje es conocer un poco de la historia sociocultural de Cali en los años 70, ya que Andrés fue el hombre, o mejor dicho el niño que sacudió Cali mediante sus obras y fue la inspiración, el modelo a seguir y la motivación para que muchos de ahí en adelante se dedicaran a hacer arte.
Al igual que muchos, al profundizar por primera vez sobre Caicedo, me maravillo de saber los antecedentes que tenemos en la historia  y que explican porque muchas personas como yo, hoy en día, estamos estudiando cine, música, literatura, o cualquier tipo de arte. Gracias a este “niño”  hoy Cali tiene una proyección segura hacia el cine, ya que Andrés y muchos detrás de él se atrevieron a hacer cine en tiempos donde no había mucha producción en el país. Luego del éxito de la brillantez literaria de Caicedo, muchos se motivaron a adentrarse en este mundo del cine, y así cada vez fueron más, al punto de que hoy Cali, tenga escuelas de cine para enseñar el oficio y la profesión.
Y es muy interesante que esta motivación nazca con Andrés desde un cineclub, no el primero ni el único en Colombia ni tampoco en Cali, según una entrevista hecha a Ramiro Arbeláez, por Hernán Toro. En la entrevista sabemos que había otro cineclub, en los años cincuenta como antecedente de este fenómeno en Cali, y era el cineclub de la Tertulia. Pero el cineclub hecho por Andrés tuvo tanta fuerza en la cultura de Cali, que prácticamente se le puede considerar como el primero, al menos en mover y hacer volar el espíritu de la época. Ramiro habla del espíritu de la época, en el sentido de que todo tipo de personas iban al cineclub de Caicedo, estudiantes, marihuaneros, clase alta y baja, jóvenes y adultos, personas que hacían deporte llegaban sudando directo a ver la programación del cineclub, incluso las pandillas de la época, la barra del triángulo por ejemplo. Se puede decir que todo tipo de personas, tenían ese impulso para contemplar el cine y el arte. Qué bonita época. Puede que sea debido a que no había nada más que hacer, y graciosamente a la gente no le quedaba de otra, pero de todas formas, según Ramiro, el amor por el cine era fantástico y masivo.
Y de esa manera era como el cineclub se mantenía, con la asistencia de un buen público. En esos tiempos los teatros y cineclubes obtenían todo tipo de películas, eran más bien pocos los estrenos, ya que para eso eran las salas comerciales, aunque los estrenos que los exhibidores creían como “futuros fracasos” eran entregados a establecimientos como el que Caicedo fundó.
Y entre los tipos de cineclubes estaban dos principalmente, los dos de aquella época, ya que habían una que otra sala pero eran mejor llamadas cinematecas, las cuales tienen diferencia con los cineclubes en el sentido de que en la cinemateca se tiende a presentar ciclos de películas enteros de algún director, tema o género en especial, por ejemplo todo el ciclo de Godard, y era presentado en toda la semana. Y el problema con el cineclub de Andrés era que, allí solo se hacían exhibiciones los fines de semana, y 4 presentaciones eran un mes, no se podía dejar al público un mes con la misma temática o director ya que se aburrían y luego no asistían.  El cineclub llego a tener una asistencia enorme, y se llegó a presentar 3 películas por día, teniendo la última presentación a la media noche, con temáticas y géneros de terror.
En cuanto a los dos cineclubes del momento, uno se dedicaba a presentar películas que fueras representativo de la literatura, y tenían una estrecha relación hacia ello, por lo tanto se les consideraba como más conservadores, y el cineclub de Caicedo era uno donde se presentaban películas más norteamericanas, más de autor, mas liberadoras se siguió por ejemplo a directores como Alfred Hitchcock. Las películas eran repartidas en bicicleta a los teatros llevando los carretes en la parrilla.
El cine club fue importantísimo, ya que de allí se produjeron muchas ideas y mucho conocimiento acerca del cine mediante publicaciones como la revista ojo al cine, y de donde, además de los resaltados Carlos Mayolo o Luis Ospina, salieron también muchas personas motivadas a hacer cine.
Leyendo un poco sobre la literatura de Andrés se puede decir que tenía un buen talento, y leyendo algunas cartas y pequeños relatos de su vida escritos por él, se da cuenta uno de lo triste que pudo estar hacia los últimos momentos de su vida. Como dicen en el documental de Luis Ospina “unos pocos buenos amigos” se le notaba agobiado, encerrado, y sufrido.
Realmente, pienso que tuvo talento, y algunos dicen que es sobrevalorado, y quizá es cierto, ya que su literatura no es de total excelencia, pero si hubiera seguido en su proceso creativo después de sus 25 años, de pronto hubiera llegado a producir obras excelentes dignas de cualquier reconocimiento. De todas maneras concuerdo con muchos en que la verdadera importancia que tiene Caicedo en la historia caleña es que si no hubiera sido por la iniciativa de él y otros más, el futuro y la proyección artística que vivimos hoy en la ciudad de Cali no sería del todo real. Andrés sacudió a Cali, le dio un aire artístico y lo impulso a volar, nada más.

jueves, 14 de febrero de 2013

Garras de oro


GARRAS DE ORO



FICHA TECNICA:
Director: PP. Jambrina
Producción: Cali films
País: Colombia
Año: 1926
Formato: 35 mm B/N
Duración: 56 minutos (restaurados)




Ver la película, significa ver un día soñado para Colombia en alguna época, donde como dice la película, la hormiga le gana al elefante. En términos de lo que pasa en la película podemos hablar de que es la situación que vive Colombia entre los años 1914 y 1916, donde el gobierno de Estados Unidos a cargo de Theodore Roosevelt estaba a punto de controlar con su poder a Panamá. La historia cuenta como un periódico de la época llamado “the world” intenta ayudar a Colombia a través de sus textos hacia los lectores, donde denuncia la forma de gobierno y los procederes de Teddy Roosevelt. Mientras tanto algunos otros se unen a la causa y ayudan a que tal mal líder se baje de su trono. En la película también podemos ver imágenes metafóricas del tío Sam tratando de inclinar la balanza a su favor con sacos de dinero, lo cual funciona como crítica y protesta por lo que pasó en la vida real, donde Estados Unidos pago mucho dinero por el canal de Panamá. No todo lo presentado en la película es de total ficción. Según algunos análisis y trabajos acerca de esta película por Ramiro Arbeláez de la Universidad del Valle, el periódico “The World” existió y muchos aspectos entre la vida de los espías también. También nos aporta datos curiosos acerca de que estuvo perdida y censurada por mucho tiempo ya que pudo pertenecer a una serie de críticas que en la época se estaban dando contra los Estados Unidos. La película fue perseguida por todos lados, y finalmente es encontrada en Colombia por el director de la cinemateca de la Universidad del Valle, el señor Rodrigo Vidal, actualmente docente de la Universidad Autónoma de Occidente en el Valle del Cauca-Colombia. Solo se pudieron restaurar 56 minutos de la película original, pero es suficiente para entender el argumento de la historia. Otro dato curioso, es el misterio inmenso de quienes fueron el resto de personas que participaron en la realización de la película, o el mismo director PP. Jambrina quien según Ramiro Arbeláez fue un político liberal de la época (1915), llamado en realidad, Alfonso Martínez Velazco, y esta fue su primera y última película que la historia conozca. También hay sospechas de que los actores y las grabaciones se hallan hecho en Italia, según Arbeláez, aunque Rodrigo Vidal dice que muchas de las escenas no fueron necesariamente en Italia, y que existe la posibilidad de que hayan sido grabadas en Colombia. Otro dato curioso es que es la primera película en Colombia que se atreve a trabajar con el coloreado manual en el celuloide, y esto se ve en la vadera de Colombia que es ondeada en las escenas de don Pedro Gonzales.  

Concordando con Arbeláez, la película es completamente una crítica, y uno siente como si se reviviera aquel momento y la mala sensación de tener a los yanquis como siempre, tratando de dominarlo todo. Realmente se despierta una sensación de rabia, pero, que se ve compensado con el final feliz de la historia, donde la buena causa y el verdadero valor ganan contra las malas intenciones de los dominantes. Personalmente me deja muchas sensaciones de felicidad la frase de la película: “la hormiga derroto al elefante”. Es como si de verdad viviéramos en un mundo donde las buenas obras y la buena voluntad ganan sin importar las ventajas o el poder de los mal intencionados. Escuchando a algunos que han visto la película, personas de la tercera edad, me doy cuenta de que Estados Unidos se ha ganado películas con crítica como esta más de una vez por su forma de actuar ante los pueblos del mundo. Estas personas mayores saben cómo han sido muchas situaciones en las que se involucra Estados Unidos y un pueblo, saben quiénes han salido ganando y quienes han salido perdiendo. Por lo cual al ver esta película se generan muchos recuerdos de la historia en donde los pueblos se dejan dominar por “el elefante”. Y es como grato ver al menos en películas como “la hormiga” tiene sus medios para defenderse.

Siento también, muy interesante la historia intermedia que sirve como desarrollo a la película, y es el amor difícil que hay entre Berta y Paterson. Se puede sentir en persona, si se sigue bien la historia de estos dos, la lejanía que hay entre el uno y el otro, y la resignación a dejarse de ver por un buen tiempo. Y según Arbeláez, esta historia alterna a la situación principal es común en las otras películas colombianas de la época como bajo el cielo antioqueño donde también hay una historia de amor.

Entre aspectos técnicos que me gustaría resaltar, es el uso del lenguaje cinematográfico en la película, ya que al tratarse de un político, quien dirigió la película, por primera vez en su vida, creo que hizo un buen manejo de la mayoría de los planos y resulta para mi interesante trabajo, claro que según los historiadores, las personas en cámara, Arnaldo Ricotti y Arrigo Cinotti, eran profesionales del campo cinematográfico en Italia, y ellos pudieron haber dado una gran ayuda a la hora de hacer la película, incluso quizá a veces como directores proyectando la idea de Alfonso Martínez Velazco.

Es también, personalmente, muy interesante como ver a través de imágenes la posición que tienen algunos a la causa de Colombia en la película, ver como todos unidos podemos trabajar para un bien, y que algunos aun no siendo Colombianos se den cuenta de la injusticia que sucede con pueblos amigos. Se siente como si tuviéramos alguien que nos da la razón, y que nos dice, no están solos, algo que para mí sería tan bueno que pasara en los días de hoy, y no solo hacia nuestro País, sino que todos los pueblos del mundo pudieran ser totalmente autónomos para apoyarse los unos a otros. La problemática es que quienes gobiernan no pueden manejar esto de esa manera, y es por eso que en la película no es un gobierno quien apoya la causa de Colombia sino que es un periódico y un grupo de personas con ganas de ayudar. En estos tiempos, los medios de comunicación tienen que tener esa sensibilidad que tuvo “the world” en la película, y así mismo los productos comunicacionales, las películas, la literatura, todo eso sirve, de hecho, PP. Jambrina, (Martínez) quiso hacer un producto comunicacional sensible y protestante a través de esta película. Ese es uno de los fines para los cuales el cine debe estar dispuesto a luchar en estos tiempos, sin importar la censura.

Fuentes:
Una muda conspiración contra Roosevelt: garras de oro - Juana Suarez y Ramiro Arbelaez 

miércoles, 6 de febrero de 2013

Maria de Jorge Isaac

CINE ROMÁNTICO EN EL 72



















FICHA TÉCNICA

Película: María 
Año: 1972
Formato: 35 mm a color
País: Colombia y México
Idioma: Español
Género: Ficción y romance 
Dirección: Tito Davison

PREMIOS: Premio Ariel a mejor fotografía a Gabriel Figueroa. México (1973)

SINOPSIS

El protagonista es Efraín (interpretado por Fernando Allende), que viaja del Cauca a Bogotá para emprender sus estudios, dejando allí a su familia y a María (interpretada por Taryn Power), quien comienza a despertar un amor intenso en él. Luego se van desarrollando acontecimientos y circunstancias de la vida que llevan a la pérdida irreparable de su amada y al dolor sin consuelo.

¿NO SABIAS DE LA PELÍCULA?

Primero que todo, para aquellos que apenas están descubriendo el cine colombiano, y en este caso Vallecaucano, pueden reconocer que desde el 72 e incluso antes, desde los primeros largometrajes colombianos, ya se tenía indicios de ello, pero con esta película (y una que otra por ahí) queda por sentado de que Colombia asimila un lenguaje cinematográfico y un conocimiento técnico standard perfectamente adherido. Y como no tener influencias de los que van más adelante, no más la novela original de Jorge Isaac sigue influencias Europeas de algunas novelas francesas. 

Para quienes creían que las  influencias Europeas y Norteamericanas (en el cine) ni se pronunciaban en estas tierras tropicales para ese tiempo, aquí se les puede demostrar que no solo acogimos todo como buenos discípulos, sino que tal vez seguimos todavía (año 2013) buscando nuestra propia identidad para librarnos del resto del mundo y contar "a lo nuestro". Pero bueno ese es otro tema, lo que me parece interesante es destacar el hecho de que en Colombia, y en especial en el Valle, empezamos esa escuelita de cine desde hace un buen tiempo atrás. 

Tal vez esa "escuelita" se ve reforzada por la que tiene Tito Davison, quien se trae todos esos conceptos técnicos que pudo haber aprendido cuando trabajaba en Hollywood, mas su capacidad para la adaptación y guionización, algo que muchos le reconocen por su carrera cinematográfica en Argentina y México. Era de esperarse un buen drama romántico. 

Puede que Davison no sea vallecaucano, y eso haga que el sentido de pertenencia por esta escuelita no sea total para algunos, pero este chileno nos dejó mucho (filmografía grande), y apuesto a que fue el referente para muchos realizadores futuros en el Valle. 

Con esta película, sin decir que fue la única ni la primera, sabemos que aprendimos muy bien. Los encuadres, los movimientos de cámara, el zoom in y el zoom out, la iluminación, y el montaje, pieza clave con la que se manipulo el tiempo y el espacio de la obra. Y una de las cosas interesantes, no solo es ese lenguaje cinematográfico aprendido, sino que la película tiene un estético y coqueto contenido, empezando porque la historia en su fase de novela, a pesar de sus influencias externas, determina un historia que involucra el campo, la hacienda, este Valle tropical, algo que diferencia esta obra de otras y hace que la película también marque diferencia. 

Planos generales y de primer plano, ambos muy bonitos. Como no recordar aquel donde Efrain le lleva las rosas que significaban ese amor a la tumba de María. Efrain arrodillado, llorando al lado de la tumba y al fondo un arco iris que contrasta la desdicha de Efrain. Muy pictórico ese plano, y hermosos otros más, producto de trabajo de varias personas protagonizadas por Gabriel Figueroa  el maestro en el manejo de la luz, los colores y los contrastes para esta película.  No es gratuito que Figueroa haya ganado varias veces el premio Ariel en 
México

Y como no admirar el resto de la obra y su arte, por ejemplo la música de Roberto Pansero desde el principio del filme, desde donde nos metemos automáticamente en el ambiente de una historia romántica, dramática, no del todo trágica, ya que la textura de la canción que se acompaña con los hermosos paisajes en sus mejores horas del día no lo hacen sentir de esa forma, pero si abierta a todo lo que pueda pasar con el amor de estos dos personajes. Y aquella canción del principio le agrega un gran sentido de unidad a la obra artística ya que aparece en los momentos donde Efrain o María se muestran enamorados. También el elenco de actores fue una maraña de talento, en especial por Luis Fernando Allende Arenas y la hermosa actriz Taryn Power quien estaba iniciando su carrera más concretamente con esta película. Y Un excelente trabajo de 
producción.

Para los que no han leído la novela, se les puede garantizar que la película es entre tanto, una buena ilustración hecha en 1972, y hablo de que se recrea muy bien los espacios y el ecosistema social, económico y político que tenía Colombia en aquellas décadas del 1850 en adelante. Podríamos hablar de las familias de la época, sus costumbres, sus casas, las haciendas, los medios de transporte, los tipos de sociedades, la situación política a través de cómo se maneja el tema de la esclavitud y sus primeros indicios de abolición, acontecimiento que no es muy lejano a la historia, pero que se muestra indirectamente con la familia de la nana en la casa de Efrain. Vemos por ejemplo que está la nana y su familia, algo que corresponde realmente con la situación en la que se desarrolla la historia, donde el gobierno de Colombia había establecido para aquella época que los hijos de esclavos debían servir hasta los 18 años de edad en la casa de su amo, luego podían ser libres. Aunque bien se sabe que tal ley no se cumplió, y se aumentó 5 años la edad de servicio. O también puede ser el caso de que en algunas regiones se liberaron algunos esclavos, pero muchos de ellos no tenían a donde ir, y algunas familias de esclavos permanecieron en servicio a sus generosos amos. Es algo muy probable, ya que se evidencia que la relación que tienen estos "esclavos" en la hacienda con sus amos es muy cordial, y se les toma casi como parte de la familia. El ser de raza negra también se evidencia en que Colombia importo alrededor de 200000 esclavos en su mayor parte afrodescendientes décadas anteriores.  

En cuanto al manejo de la escenografía y demás conceptos de arte, solo se puede decir que se hizo un excelente trabajo, la iluminación, nuevamente lo digo gracias a Gabriel Figueroa, es una iluminación de estudio, característica del cine hollywoodense, aunque también hay iluminación natural, tanto para los exteriores como algunos interiores. Son más bien pocos los casos de iluminación de estudio.

Esta película es de esas para nunca olvidar, su aporte es grandísimo tanto para la cinematografía nacional como para el campo de la literatura. Muchos han intentado hacer otras adaptaciones e incluso hacia la novela de televisión, ya que sin duda esta película fue un hecho totalmente hermoso, y no importa que adaptación se le haga, la primera sigue siendo para algunos la mejor, tal vez porque la belleza de la película solo funciona al saber que se le hizo en el 72, y que fue una gran innovación.

Así pues, les dejo a todos los lectores, o espero haberles dejado la inquietud de buscar la película  de leer la novela y seguir descubriendo el cine Vallecaucano.